Werke von Lienhard von Monkiewitsch im Sprengel-Museum

Lienhard von Monkiewitsch setzt sein Publikum bis heute zuverlässig in Erstaunen. Was das anhaltende Interesse an seinem Werk erklärt. Der Maler, der an der HBK in Braunschweig Kunst studiert hat, später dort als Professor lehrte und auch heute noch in Braunschweig lebt und arbeitet, wird zu seinem 80. Geburtstag durch verschiedene Ausstellungen geehrt. Sie widmen sich unterschiedlichen Aspekten seines Werkes. Eine davon, im Mönchehaus Museum in Goslar, ist bereits eröffnet. Eine weitere gibt es nun im Sprengel-Museum in Hannover, wo die Eröffnung, Corona lässt nicht locker, am 1. April lediglich im Netz zu sehen war. Die von Carina Plath, der stellvertretenden Direktorin des Hauses, ansprechend in Szene gesetzte kleine Schau in der oberen Sammlung besteht aus nicht mehr als einer Handvoll von Werken. Doch sind sie so ausgewählt, dass sie erlauben, sich einen Überblick über das vielfältige und komplexe Werk des Künstlers zu verschaffen. Von brutaler Körperlichkeit: Das beginnt in den späten Sechziger- und frühen Siebzigerjahren mit filigranen Bildern, in denen sich neusachliche Malerei, die Alltagswelt der Pop Art und das „non finito“ Leonardos, sein Credo des nicht vollendeten Gemäldes, miteinander verbinden: Naturalistisch gemalte leere Innenräume, von denen oft lediglich die Fußböden oder auch nur die Fußleisten zu sehen sind, und die erst der Betrachter in seinem Kopf zu Interieurs zusammensetzt. Die zeitlich darauf folgenden Bildserien sind dagegen von brutaler Körperlichkeit. Sie zeigen auf großen Formaten gewaltige Architekturen, geschaffen aus Erde und Pigment, die vor der Wand zu schweben scheinen. Zu ihnen gehört der spektakuläre „Torso II“ von 1980. Geschaffen hat ihn von Monkiewitsch als Stipendiat in den hohen Atelierräumen der renommierten Villa Massimo in Rom. Der kühne Illusionismus des Bildes bannt den Blick des Betrachters nicht weniger als seine nicht zu Ende gemalten Interieurs. Das Ende als Ausgangspunkt: Bekannt geworden ist der Maler aber auch durch seine Hinwendung zum berühmten „Schwarzen Quadrat“ (1915) von Kasimir Malewitsch. Ein monochromes Gemälde, das als Summe aller Malerei betrachtet wird und ihr damit theoretisch einen Schlusspunkt setzt. Mit diesem so genannten „Ende der Malerei“ wollte sich von Monkiewitsch nie zufriedengeben. Und so nahm er das schwarze Quadrat zum Ausgangspunkt und Motiv immer neuer Werkserien. Seine Schnitte in das Quadrat leiteten ganz unterschiedliche geometrische Figuren von ihm ab, die er dann in konstruktiven Kompositionen streng gesetzmäßig oder rein zufällig anordnete. Dabei folgte er häufig der organisch wachsenden Zahlenfolge des Mathematikers Fibonacci. Sie führte ihn zu den Maßen seiner Motive. Noch stärker aber machte er sich vom Erfindungsdruck frei, der auf dem Künstler lastet, als er die Farbwahl seiner Motive oder ihre Positionierung auf der Leinwand Freunden und Bekannten überließ. Mit diesem Schritt wurde der Betrachter, der schon seine frühen Werke im Kopf zu Ende malte, nun endgültig zum Koautoren des Künstlers. Aber die Konzeption und die handwerkliche Ausführung verblieben natürlich beim Maler. Monkiewitsch gelang es, durch eine besondere Art des Pigmentauftrags das Schwarz seiner Bilder zu rätselhafter immaterieller Intensität zu steigern. Es wurde zur Signatur seiner Werke. Nicht weniger als die originelle und kreative Abgabe von Autorschaft. So wie Lienhard von Monkiewitsch in der Vergangenheit mit jeder neuen Werkserie sein Publikum überrascht und in Staunen versetzt hat, gelingt ihm das auch heute noch, da er sich in einer neuen Volte, der gestischen Malerei zugewandt hat. Bis zum 30. Mai im Sprengel-Museum, das vorläufig coronabedingt geschlossen bleibt. Von Michael Stoeber